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Al contrario de lo que la mayoría de la gente piensa, editar una foto, tanto en sus colores y formas como en su estilo es realmente complicado. Los mejores editores de fotografía suelen ser buenos pintores y diseñadores gráficos que tienen bagaje sobre el comportamiento del color, así como de las herramientas que otorgan los diferentes ordenadores como los Apple de mresell.es.

Herramientas para editar y lograr una buena fotografía

En primer lugar, es fundamental contar con un equipo Apple, de preferencia un ordenador Macbook Pro, que provea de todas las utilidades y programas necesarios. Entre los programas y aplicaciones más utilizadas se encuentran Illustrator, Photoshop y Freehand. Estos tres software cuentan con herramientas de corte, pegado, clonación, segmentación y recomposición de imágenes.

Aunque las decisiones requeridas para hacer una excelente edición de imágenes pueden ser de orden práctico, el ojo que se necesita para obtener un buen resultado cae en el ámbito del arte. Es necesario que esté entrenado para reconocer tonalidades, ambientaciones, texturas, motivos, iluminación y toda clase de factores.

Aunque los dispositivos y equipos Apple de mresell.es ofrecen las mejores herramientas y condiciones respecto a hardware y software, el conocimiento de las reglas artísticas también es fundamental.

Por lo demás, programas de creación de imágenes, pinturas y cuadernos virtuales también son aplicaciones que no pueden faltar en un equipo de estas características. Existen diversos programas gratuitos para estos objetivos y vale la pena recorrer Internet para encontrar el idóneo para lo que se busca.

La edición de imágenes como arte independiente

La edición de imágenes ya ha encontrado su propio rumbo y espacio al interior de las artes visuales. Hoy por hoy, los montajes y la intervención de fotografías tiene tantos adeptos como las otras ramas del arte. Las razones: pueden llevarse a cabo simplemente con un ordenador y los programas adecuados que se han mencionado aquí.

Asimismo, es más barato desde que no se requiere de materiales específicos, como óleos, bastidores, rollos de película, iluminación especial, roca, arcilla y otros materiales. Esto significa que el arte de edición de imágenes se halla más cerca de la gente común y corriente y cualquiera puede alcanzarlo.

No está de más estudiar el lenguaje artístico y pictórico de las grandes obras del pasado para reconocer puntos en común. Todo lo que puede aprenderse contribuye a manejar de mejor forma las herramientas y aplicaciones y a pensar como un artista.

Artes visuales

Aunque a grandes rasgos, el arte del póster se considera como una rama del diseño gráfico (y sí que lo es), también involucra un lenguaje particular único y que lo distingue de otras prácticas artísticas. Pero, ¿cuáles son las características que hacen del arte del poster diferente de otros, como por ejemplo, el diseño de anuncios, gigantografías, o incluso la pintura? Ahora se mencionan los principales aspectos relacionados.

¿Qué involucra el lenguaje visual del arte del póster?

Al igual que todo arte gráfico, el arte del póster se basa en la creación de imágenes a partir de líneas, trazos, manchas, colores, transparencias, fotografías, recortes y todo lo que pueda contribuir a una imagen en dos dimensiones.

El dibujo, el trazo y el color son aspectos transversales a todo póster, ya que estos elementos definen las direcciones internas de la imagen, donde va la mirada y donde se focalizan los puntos de interés. El trazo son las líneas generales de la configuración de la imágenes, cuál es la dirección interna del póster y cómo deben leerse las imágenes y consignas.

Los colores determinan la sensación general de la imagen del póster. Dependiendo de esta selección, la atmósfera cambiará completamente y el mensaje apuntará en un sentido o en otro. Los colores llamativos resaltan las formas y tienen como finalidad exaltar los sentidos. Los colores más oscuros y opacos acompañan a las formas y las hacen resaltar por sobre el fondo. En este sentido es fundamental preguntarse: ¿cuál es el mensaje que se desea transmitir con el póster? Con dicha respuesta se podrán tomar mejores decisiones.

La configuración espacial es otro aspecto primordial cuando se trabaja con imágenes en dos dimensiones. Es decir, la posición de los objetos y la distribución de las formas al interior del plano determina el significado del mensaje, incluso hasta la armonía interna de las partes.

Por lo general, un ojo entrenado en cuestiones plásticas y lenguaje visual podrá configurar y distribuir las formas al interior del plano de una buena forma. Asimismo, podrá jugar con la figura y el fondo con el fin de resaltar imágenes, formas y darle prioridad a un plano sobre el otro.

El texto también es un elemento integral en la creación de pósters, sobre todo cuando se trata de pósters con un mensaje directo o una consigna que apoye a la gráfica. En esta categoría caben los pósters publicitarios, los que ofrecen productos o servicios, o incluso aquellas que asemejan un estilo pop, donde la rúbrica y el mensaje proviene de una combinación de ambos elementos.

Pero también pueden utilizar fotografías que transmitan un sentido, una idea, una metáfora. De esta forma, la intervención plástica no es necesaria, pero sí un buen ojo para determinar la potencia de la fotografía.

El arte integra varias disciplinas, que van desde la arquitectura hasta el diseño de vestuario. Claro, en el medio hay decenas de prácticas, muchas de ellas vinculadas al diseño gráfico. Una de las menos reconocidas, pero igual de interesante, es el diseño de pósters, que integra dibujo, color, pintura, iconografía y mucho talento.

Existe consenso en que el dibujo es parte fundamental del diseño gráfico y las artes visuales, por lo tanto, del diseño de posters de toda clase sin importar su lenguaje visual. El diseño marca las directrices generales del plano, construye las líneas que marcan el ritmo de las formas, incluso de los trazos, el color y la intención. Por lo demás, el dibujo articula la composición del póster, lo que determina, finalmente, si es un buen diseño o no.

Los tonos y colores también determinan la atmósfera y la temperatura del póster. Con los trazos ya realizados, es fundamental elegir los colores correctos que ofrezcan la sensación que se busca. El blanco como fondo es una opción natural pues brinda luz y hace resaltar las formas y otros colores. Pero la opción puede ser cualquiera, siempre y cuando se cree un sentido unitario que cubra toda la composición.

Además, el problema del fondo, la forma y cómo se resaltan mediante el uso del dibujo y el color es lo primordial en el arte de diseñar pósters. Las formas deben emerger sobre un fondo que las sostienen, pero de manera integrada, siendo parte de un todo artístico. Los colores, en este sentido, tienen peso y constancia, por lo que forman un cuerpo junto con el trazo y el dibujo.

Finalmente, pueden integrarse íconos, imágenes, fotografías, cuerpos y letras, incluso oraciones y mensajes que aporten a la configuración. El tipo de fuente que puede utilizarse para crear las frases también es relevante para comunicar el sentido del mensaje. Existen cientos de fuentes, por lo que las opciones proporcionan distintos tipos de connotaciones.

Más allá de los pósters abstractos que pueden usarse para ambientar una habitación, un local o lo que sea, también pueden tomarse imágenes icónicas de la cultura popular, músicos, pintores, actores de cine, escritores, científicos o todo tipo de figuras para potenciar la imagen. El resultado es algo similar al arte pop de Andy Warhol, con sus imágenes de Elvis Presley, Mao o Marilyn Monroe.

Las denominadas artes visuales contemporáneas que surgieron durante el siglo XX, incluyen formas de arte moderno como la fotografía, el videoarte, el propio cine, la animación, o las diferentes combinaciones entre ellas.

Si bien estas técnicas y herramientas se siguen utilizando en la actualidad, también han ido apareciendo en las últimas décadas otras expresiones artísticas basadas en las nuevas tecnologías, así como una serie de tendencias que son ya el presente del arte visual.

Diseñadores gráficos y artistas digitales son los responsables de los gráficos y la animación generada por ordenador, un tipo de arte visual que podemos ver principalmente en películas y videojuegos, donde se combina cultura, ocio y entretenimiento, y que cuentan con millones de espectadores y aficionados de todo el mundo.

Pero el arte digital solo es una de las últimas tendencias que han surgido en los últimos años dentro del arte visual. Otras formas de arte visual moderno en auge incluyen el arte urbano, cuya expresión artística más conocida son probablemente los grafitis; el arte corporal, con los tatuajes como el mejor ejemplo; o el arte conceptual, cuyos orígenes se remontan en realidad a los años 60.

También merece una mención especial el denominado arte ambiental o Land Art, una corriente de arte en la que la obra y el paisaje se unen para crear algo único y, en muchas ocasiones, producir sensaciones o transmitir un mensaje que el espectador debe interpretar por sí mismo. Combinando escultura y arquitectura, en este tipo de arte ambiental o arte de la tierra, la naturaleza es el «lienzo» del artista, y los materiales puede incluir agua, árboles, madera, tierra, piedras o directamente el propio paisaje natural.

La cantidad de disciplinas artísticas y subcategorías que se incluyen actualmente dentro del concepto de arte visual es considerable. Aunque la mayoría de las definiciones y listas realizadas al respecto coinciden en muchos aspectos, también existen varios debates abiertos sobre qué nuevas tendencias de arte pueden ser incluidas también dentro de las artes visuales, o incluso se plantea en ocasiones si algunas de estas expresiones artísticas se pueden considerar arte.

En cualquier caso, estas son algunas de las categorías o formas de arte visual más importantes y generalmente aceptadas en todas las definiciones:

Pintura

La pintura es una forma de arte visual en la que el artista crea una imagen, una ilustración o una representación gráfica, utilizando diversas técnicas y herramientas disponibles. Puede abarcar desde un concepto más simple, como un dibujo, hasta algunos de los cuadros más famosos de la historia. Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de la humanidad y se puede manifestar en todo tipo de superficies, incluyendo lienzos, muros, madera o ilustraciones en libros. El arte gráfico digital es también incluido en muchas ocasiones dentro de esta categoría.

Arquitectura

La arquitectura se define como el proceso de diseñar, planificar o construir cualquier edificio o estructura. Hace miles de años, los pueblos pasaron de ser nómadas a hacerse sedentarios, se establecieron de forma permanente en ciertos lugares donde desarrollaron pueblos y ciudades. La mayoría de edificios buscan simplemente la utilidad, pero también muchas obras arquitectónicas han ido un paso más allá, pues son numerosas las que destacan por su belleza y se perciben como símbolos culturares de cada civilización.

Cine

Entre las artes visuales contemporáneas más importantes destaca el cine. El proceso de realizar una película incluye también otras formas de arte, como la escritura para el guion, la música y el sonido, los efectos especiales o la animación en el caso de las películas animadas. La cinematografía debe ser entendida como un concepto más amplio que incluye, además de las películas, documentales, cortometrajes o casi cualquier tipo de producción basada en el vídeo. La fotografía suele separarse en su propia categoría, pero está también directamente relacionada con el cine.

Artes plásticas

El tradicional concepto de artes plásticas sirve para englobar todo proceso creativo y artístico que implique la manipulación física de algún objeto o elemento. Su categoría más representativa es, sin duda, la escultura y, a lo largo de la historia, encontramos una larga lista de buenos ejemplos de obras talladas, moldeadas o esculpidas en casi cualquier tipo de material, desde piedra, madera, hormigón a plásticos, cerámica o acero.

Las artes visuales se pueden definir de forma sencilla como una disciplina o manifestación artística donde las obras son principalmente de naturaleza visual, es decir, que pueden apreciarse a través de la vista. Para ello, el artista puede utilizar diferentes técnicas para expresarse o comunicar sus ideas y emociones, o simplemente para desarrollar su creatividad. Esto abarca por tanto una gran cantidad de tipos de arte diferentes, que incluyen disciplinas como la arquitectura, la pintura, la fotografía, o el cine, así como tendencias artísticas más actuales, como el arte urbano o el arte digital.

Al tratarse de una manifestación artística tan amplia, muchas otras disciplinas artísticas, como las artes escénicas, las artes aplicadas o el arte conceptual, también suelen incluir varios elementos relacionados con el arte visual.

Las artes visuales son además una de las manifestaciones artísticas más antiguas de la humanidad, y sus orígenes se pierden en el tiempo. Podemos encontrar algunos buenos ejemplos de los primeros artistas que buscaron dejar su huella para la posteridad en las pinturas rupestres de la cueva de Altamira, que se remontan a hace aproximadamente 15.000 años; o la famosa figura paleolítica de la Venus de Willendorf, una pequeña escultura de una mujer desnuda que tiene más de 25.000 años.

Por otro lado, el concepto de artes visuales es relativamente nuevo. Tradicionalmente, disciplinas como la pintura, el dibujo, los grabados, la arquitectura o la escultura, se incluían dentro de las denominadas bellas artes. Posteriormente, a partir del siglo XIX, se comenzó a utilizar el término artes plásticas para referirse a ellas y diferenciarlas así de otros tipos de arte como la música, el teatro o la literatura.

Fue a partir de mediados del siglo XX cuando el concepto de artes plásticas que se había utilizado hasta entonces, comenzó a cambiar para poder englobar las nuevas tendencias vanguardistas y movimientos artísticos que estaban surgiendo. De esta forma, el nuevo término de artes visuales, que poco a poco comenzó a popularizarse, servía para englobar no solo las artes plásticas más tradicionales, sino también todas las manifestaciones artísticas que aparecieron a través de nuevos medios y técnicas, como la fotografía o el vídeo, o para incluir también movimientos contemporáneos como el arte cinético, el arte abstracto o el arte urbano.

Gracias a esta evolución constante, las artes visuales incluyen hoy en día también todas las nuevas tendencias relacionadas con el contenido visual y el arte digital en la era de la informática y las nuevas tecnologías.

Mientras artes clásicas como la pintura, la escultura o la arquitectura se mantendrán como atemporales, hablar hoy en día de artes visuales o de su futuro es hablar inevitablemente del uso del ordenador y de la tecnología para crear arte, así como de tendencias y términos cada vez más populares, como el videoarte, happening, fotomontaje digital, arte interactivo, o el arte gráfico en los videojuegos.

El arte, durante gran parte de la historia, ha querido reflejar la idea de erotismo que existe en cada época y cultura, utilizando el lenguaje visual y escrito como medio de comunicación para expresar tal idea.

El erotismo une al arte con el deseo de comprender de dónde viene la vida humana, a la vez que sus deseos por permanecer y hacia donde se dirigiría. Un simbolismo claro de esto es la representación de las partes erógenas femeninas, especialmente el busto.

Es tal la importancia de los senos para el erotismo, que hoy en día se buscan senos grandes y saludables, que cumplan no solo la función biológica, sino también la estética. Por eso, muchas mujeres acuden a los implantes anatomicos para tener senos más abundantes, aunque hay que decir que todo busto es erótico, sin importar su tamaño.

Principalmente, los artistas eróticos comenzaron mediante la pintura, al menos en los siglos posteriores al Renacimiento italiano. Los pintores flamencos se enfocaron en esta cuestión, vinculándola de alguna manera a la mitología griega y nórdica. En sus pinturas pueden verse mujeres idílicas de belleza inconmensurable, pero sin grandes senos.

Más tarde, otros pintores como Courbet, indagarían en un erotismo más crudo, donde se enseñan las zonas erógenas de forma explícita. La fotografía ayudaría mucho al respecto, así como los pintores realistas postmodernos, como Jenny Saville.

Los artistas pop de los años 60 y 70 utilizaron el erotismo popular y cultural como fuente de inspiración. Así fue que comenzaron a usarse fotogramas de películas pornográficas y algunas estrellas de este contexto comenzaron a aparecer en el arte en general. Sin ir más lejos, un ejemplo es la inconfundible Cicciolina.

Muchos artistas, hoy por hoy, ven en los implantes anatómicos la oportunidad de llegar a un erotismo contemporáneo, en el que los límites van más allá del viejo concepto de erotismo. Los fotógrafos realizan fotografías eróticas de mujeres con estos implantes, y el público no puede notar la diferencia entre estos senos y unos reales.

Por lo demás, muchas actrices famosas, tanto de teatro como de cine, acuden a estos implantes para dar valor agregado a su cuerpo, lo cual es lícito. Estas actrices también se convertirán en musas inspiradoras de grandes artistas, pues talento y voluptuosidad es una buena combinación. Y lo mejor, es que los senos con implantes anatómicos se ven igual de naturales que los reales.